Das Gebäude, einst Heimat eines der ersten Kinos Spaniens, verbindet nun Filmgeschichte, zeitgenössisches Design und erstklassige Gastronomie zu einem einzigartigen Hotelerlebnis mit 81 Zimmern.

Zentral im Herzen San Sebastiáns gelegen, liegt das Luxushotel in unmittelbarer Nähe zur Atlantikküste, zur historischen Altstadt sowie zu den bekannten Pintxos-Bars, Galerien und Theatern der Stadt.

Damit ist es die jüngste Ergänzung im globalen Portfolio der Curio Collection by Hilton, das für individuell außergewöhnliche Hotels steht.

Von der Belle Époque zum modernen Boutique-Hotel

Der Palacio Bellas Artes wurde auf dem Höhepunkt der Belle Époque San Sebastiáns eröffnet und ursprünglich vom Architekten Ramón Cortázar entworfen, einem der Begründer des charakteristischen baskischen Architekturstils. Schnell entwickelte sich das Gebäude zu einem der emblematischsten Bauwerke der Stadt.

Unter der Leitung des Architekten Ignacio Quemada wurde das Baudenkmal umfassend restauriert. Im Zuge der Arbeiten wurde unter anderem die ikonische Kuppel rekonstruiert und die Fassade sowie die dekorativen Details wurden behutsam überarbeitet.

Die prägenden Beaux-Arts-Merkmale blieben dabei erhalten, während ein zeitgenössisches, vom Film inspiriertes Hospitality-Konzept Einzug hält.

Filmisch inspiriertes Design und 81 individuelle Zimmer

Das spanische Innenarchitekturbüro Isabel López Vilalta + Asociados hat die Innenräume des Hotels in Anlehnung an den ursprünglichen Grundriss des Kinos gestaltet.

Gäste betreten die Lobby durch den einstigen Bühneneingang, durchschreiten den Proszeniumsbogen und werden anschließend durch eine Raumfolge geführt, die von Licht, Schatten und Bewegung geprägt ist.

Die 81 Zimmer und Suiten orientieren sich an der filmischen Erzählung des Hauses. Die Kategorien reichen von den Gallery-Zimmern über die von den oberen Rängen des Kinos inspirierten Amphitheatre-Zimmer bis zu den geräumigeren Grand Stalls-Zimmern mit Balkon oder separatem Wohnbereich.

Als besondere Suiten stehen die Front Box und die Corner Box – benannt nach den begehrtesten Logenplätzen des einstigen Theaters – sowie die unter der Kuppel gelegene Cupula Suite zur Verfügung.

Jedes Zimmer ist zugleich Teil einer hoteldurchgängigen Kunstgalerie. Die vom baskischen Künstler Lander Andonegi kuratierte Kollektion „Creation: Light, Movement and Gaze“ umfasst 81 ortsspezifische Werke – eines pro Zimmer –, die die Geschichte des Gebäudes als Theater und Kino aufgreifen.

Restaurant Lotu: Kulinarik von Andoni Luis Aduriz

Im Zentrum des Hotels steht das neue Restaurant Lotu unter der Leitung des renommierten baskischen Kochs Andoni Luis Aduriz, bekannt als kulinarische Kraft hinter dem Zwei-Sterne-Restaurant Mugaritz.

Der baskische Name Lotu bedeutet „binden“ oder „verbinden“ und verweist auf das Konzept: Das Restaurant orientiert sich an den großen Speisesälen des frühen 20. Jahrhunderts, in denen sich einst Schauspieler, Schriftsteller, Filmschaffende und Reisende trafen.

Die Speisekarte verbindet klassische Gerichte wie Pastete im Teigmantel, Beef Wellington nach Art des La Tour d’Argent und Seezunge Meunière mit baskischen Spezialitäten wie Txangurro donostiarra (Spinnenkrebs) und Chuleta.

Statt sich auf einen festen Dining-Stil festzulegen, ermöglicht Lotu jedem Gast eine individuelle Wahl zwischen ungezwungenem und formellem Essen am selben Tisch – vom Smashburger bis zum Oscietra-Kaviar.

Untergebracht im ehemaligen Logenzimmer des Theaters, erstreckt sich das Lotu über zwei Bereiche und empfängt Gäste ganztägig. Das Frühstück wird direkt an den Tisch serviert, darunter Croissants, japanische Pancakes, Eggs Benedict und Brioche-Ei-Sandwiches.

Eine hauseigene Backstube versorgt sowohl Frühstück, Bar als auch Restaurant täglich mit frischen Broten und Backwaren.

Hilton stärkt Präsenz in Spanien

Simon Vincent, Executive Vice President und President EMEA bei Hilton, betont die strategische Bedeutung der Eröffnung für das spanische Portfolio des Unternehmens, das nun mehr als 65 Hotels in Betrieb und Entwicklung umfasst. San Sebastián gilt dabei als eines der gastronomisch und kulturell bedeutendsten Reiseziele Europas.

Jenna Hackett, Senior Vice President und Global Category Leader Lifestyle Brand Management bei Hilton, hebt hervor, dass der Palacio Bellas Artes filmisches Erbe, durchdachtes Design und zeitlose Gastronomie miteinander verbindet und damit die Markenwerte der Curio Collection widerspiegelt.

Reservierungen für das Hotel Palacio Bellas Artes San Sebastián, Curio Collection by Hilton, können direkt über die Hotel-Website oder die Hilton Honors App vorgenommen werden. Das Hotel ist Teil von Hilton Honors, dem Treueprogramm für die 28 Marken von Hilton.

Sierks Media / Shots Magazin / © Fotos: 2026 Hilton

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Zum Deutschland-Debüt von „Zurück in die Zukunft – Das Musical“ am 22. März 2026 macht nun ein DeLorean DMC-12 Schlagzeilen, der alles andere als gewöhnlich ist: ein Jahr Bauzeit, eineinhalb Tonnen Gewicht und ein Wert von 450.000 Euro.

Kein Serienfahrzeug, sondern ein Bauwerk

Der Bühnen-DeLorean ist von Grund auf neu konstruiert. Ausgangspunkt war ein Präzisionsscan des originalen Filmfahrzeugs aus der legendären Trilogie.

Auf Basis dieser Daten wurden Formen gefräst und sämtliche Bauteile eigens gefertigt – ein einziges Teil stammt aus einem Serienwagen: das Lenkrad.

Damit das Fahrzeug harmonisch ins Bühnenbild passt, wurde es rund zehn Prozent kleiner als das Original ausgeführt.

Was auf den ersten Blick wie ein Kompromiss wirkt, ist tatsächlich das Ergebnis millimetergenauer Planung – und macht den Wagen zum wohl aufwendigsten Bühnenauto, das je in Deutschland zu sehen war.

Was der Wagen auf der Bühne leistet

Auf der Bühne beschleunigt die Zeitmaschine auf 88 Meilen pro Stunde. Sie dreht sich um 360 Grad, driftet, kracht in eine Scheune und vollzieht schließlich den ikonischen Zeitsprung.

Ermöglicht wird das durch einen Batterieantrieb, eine vollautomatisierte Steuerung sowie ein ausgeklügeltes Zusammenspiel aus Pyrotechnik, CO₂, Trockeneis, Licht- und Videodesign.

Zahlreiche Spezialeffekte wurden eigens für dieses Fahrzeug entwickelt. Für das Finale sorgen unter anderem Pyroeffekte, eine speziell installierte Show-Gasanlage und eine steuerungstechnische Präzision, die keinen Spielraum für Fehler lässt.

Das Fahrzeug ist TÜV-geprüft – notwendig schon allein deshalb, weil Tänzerinnen und Tänzer auf der Karosserie performen.

Eine Stunde Vorbereitung zur Vorstellung

Bevor der Vorhang fällt, braucht der DeLorean rund eine Stunde an Vorbereitung. Batterie, Pyrotechnik, Trockeneis und CO₂ werden kontrolliert, geladen und präzise eingestellt.

Bühnentechnik auf diesem Niveau kennt keine Abkürzungen. Das Musical basiert auf dem Drehbuch von Bob Gale, Co-Autor der Filmtrilogie. Regie führt Tony-Award-Gewinner John Rando.

Seit dem West-End-Start im Jahr 2021 wurde die Produktion mit dem Olivier Award 2022 ausgezeichnet und läuft seither am Broadway sowie in Sydney, Tokio und auf dem Kreuzfahrtschiff „Star of the Seas“.

Sierks Media / © Fotos: Ilnur, Unsplash (1), Matt Crockett, Stage Entertainment (1)

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Dieses Meisterwerk der romantischen Oper, das auf William Shakespeares berühmter Tragödie basiert, wird in einer modernen und emotional intensiven Inszenierung präsentiert.

Opernhaus Zürich – Szenerie der Extraklasse

Das Opernhaus Zürich gehört zu den renommiertesten Häusern Europas und ist weit über die Grenzen der Schweiz hinaus bekannt.

Eine historische Fassade, die elegante Innengestaltung und eine hervorragende Akustik machen es zu einem einzigartigen Ort für Musikliebhaber. Zentral in der Zürcher Innenstadt gelegen, ist es nicht nur ein kultureller, sondern auch ein architektonischer Schatz.

Das Haus zeichnet sich durch sein vielfältiges Programm aus, das sowohl klassische Opern als auch moderne Inszenierungen umfasst.

Mit einer Geschichte, die bis ins 19. Jahrhundert zurückreicht, verbindet das Opernhaus Tradition und Innovation auf unvergleichliche Weise. Jede Aufführung hier wird zu einem Ereignis, das das Publikum begeistert und inspiriert.

Roméo et Juliette – Emotionen auf der Bühne

Charles Gounods Oper „Roméo et Juliette“ feierte ihre Premiere 1867 in Paris und hat seither ihren festen Platz im Repertoire der großen Opernhäuser.

Die Geschichte erzählt von der tragischen Liebe zwischen zwei jungen Menschen, die sich in einer Welt voller gesellschaftlicher Zwänge und Feindschaften behaupten müssen.

In der Zürcher Inszenierung von Regisseur Ted Huffman ( opernhaus.ch/spielplan/kalendarium/romeo-et-juliette) wird das Drama auf eine schlichte Tanzfläche verlegt, die den Walzer – ein modernes Element in Gounods Zeit – zur Metapher für gesellschaftliche Konventionen macht.

Die minimalistische Bühne verstärkt die emotionale Tiefe der Oper – und stellt die Gefühle und Konflikte der Protagonisten in den Mittelpunkt.

Video: Roméo et Juliette – Opernhaus Zürich

Musikalisch glänzt die Produktion durch eine hochkarätige Besetzung:

◉ Julie Fuchs, die gefeierte Sopranistin, verleiht Juliette mit ihrer glasklaren Stimme eine unvergleichliche Präsenz.

◉ Stephen Costello, der zuletzt in Zürich als Roberto Devereux begeisterte, interpretiert die Rolle des Roméo mit großer Leidenschaft.

Die Oper wird in französischer Sprache aufgeführt, ergänzt durch Übertitelung, so dass die tiefgründigen Texte und Emotionen für alle zugänglich sind.

Warum diese Aufführung nicht verpassen?

Die Kombination aus Gounods unvergänglicher Musik und einer modernen, emotionalen Inszenierung macht diese Produktion zu einem unvergesslichen Erlebnis.

Das Opernhaus Zürich bietet eine einmalige Atmosphäre, die jede Aufführung zu einem kulturellen Höhepunkt werden lässt.

Tickets können direkt über die Website des Opernhauses Zürich oder an der Abendkasse erworben werden. Planen Sie rechtzeitig, um sich Ihren Platz bei diesem besonderen Ereignis zu sichern.

Die Aufführung dauert etwa zwei Stunden und 45 Minuten inklusive einer Pause. Nutzen Sie diese Gelegenheit, eine der größten Liebesgeschichten der Literatur- und Operngeschichte live zu erleben…

Sierks Media / © Fotos: Herwig Prammer (2), Andrin Fretz (1), Opernhaus Zürich / Video: YouTube

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Die gebürtige Berlinerin hat sich sowohl vor als auch hinter der Kamera etabliert – und überzeugt durch ihre attraktive Vielseitigkeit und eine internationale Ausstrahlung.

Sie meistert wirklich jede Rolle mit Leidenschaft und Präzision. Dabei verbindet sie schauspielerisches Talent mit einer außergewöhnlichen Sprachbegabung.

Ich habe sie nun tatsächlich in Berlin getroffen. Hier ist das Interview.

Du hast sowohl in Los Angeles als auch in Berlin Schauspiel studiert. Wie unterscheidet sich die Ausbildung in diesen beiden Städten für dich?

In Los Angeles war es ein klassisches Schauspielstudium, während ich in Berlin kein zusammenhängendes Programm besucht habe. Trotzdem sind mir einige Unterschiede in der Herangehensweise an die Kunst des Schauspiels aufgefallen.

In LA liegt der Fokus stärker auf filmrelevanten Fähigkeiten, was allein durch die Nähe zu Hollywood naheliegend ist. Theaterbezogene Fähigkeiten wie Bühnenpräsenz und Sprachgestaltung stehen dort weniger im Vordergrund.

Mein Studium an der Lee Strasberg Schule umfasste praxisorientierte Kurse wie Audition Technique und Self-Taping, die für das schnelle Buchen von Jobs unverzichtbar sind. Die Ausbildung ist oft modular aufgebaut, so dass Schauspieler sich auf spezielle Bedürfnisse wie Sitcoms oder Voice Acting konzentrieren können.

In Deutschland ist die Ausbildung hingegen theorielastiger und behandelt oft klassische Texte, wie Werke von Shakespeare. Grundsätzlich wird der Schauspielberuf in den USA mehr als Geschäft angesehen: Man tut sein Bestes, um erfolgreich zu sein, während sich Europa stärker auf künstlerische Entfaltung fokussiert.

Dieser Unterschied hat sicher auch mit der unterschiedlichen sozialen Absicherung zu tun. Viele meiner amerikanischen Kollegen arbeiten gleichzeitig als Kellner, Valet-Fahrer oder Stand-up-Comedians, um über die Runden zu kommen – dieser Druck ist in Deutschland weniger präsent.

Deine Rolle in „Die Spreewaldklinik“ für Sat.1/Joyn war eine Episodenhauptrolle. Wie bereitest du dich auf eine solche Rolle in einer etablierten Serie vor?

Lesen Sie dazu auch: Antonia Sitak begeistert in neuer Rolle bei „Die Spreewaldklinik“…

Ich schaue mir die letzten Folgen der Serie an, um ein Gefühl für die „Stimmung“ und den Stil der Produktion zu bekommen. Jede Serie hat ihren eigenen Ton, fast wie ein Code. Als Schauspielerin möchte ich mit meiner Performance positiv auffallen, aber den Fluss der Handlung nicht stören.

Anschließend suche ich nach Gemeinsamkeiten zwischen mir und der Rolle. Was verbindet uns? Aspekte, zu denen ich keinen Bezug finde, analysiere ich intensiver, um sie mir zu erschließen. Ich notiere alle kreativen Impulse, die beim Lesen des Drehbuchs entstehen.

Den Text lerne ich schnell auswendig, damit ich bei den Proben präsent bin und im Moment spielen kann, statt gedanklich mit dem Text zu kämpfen. Ich entdecke die Rolle oft erst körperlich, bevor ich sie analytisch angehe. Am Ende ist es wichtig, loszulassen und einfach Spaß zu haben.

Du hast dieses Jahr Alice in „Closer“ am Theaterforum Kreuzberg gespielt. Was hat dich besonders an dieser Figur und dem Stück gereizt?

Ach, ich liebe diese Rolle! Eigentlich liebe ich alle meine Rollen – anders könnte ich sie nicht spielen. Selbst wenn ich anfangs keine Verbindung finde, gehört es zu meiner Arbeit, genau diese Verbindung herzustellen.

Alice ist eine unglaublich starke Frau, auch wenn man das beim ersten Lesen des Stücks nicht sofort erkennt. Es könnte der Eindruck entstehen, dass sie schwach ist und sich alles gefallen lässt, doch das täuscht. Ihre Tragik ist, dass sie ihr Schicksal selbst initiiert, weil sie nicht anders kann.

Sie liebt mutig und kompromisslos, ist dabei aber auch intrigant und ständig am Lügen. Dennoch kann man ihr nicht böse sein. Ein Satz von ihr lautet: „Lügen macht am meisten Spaß… … wenn man sich nicht ausziehen muss.“ Sie vereint Ambivalenzen: verführerisch, aber unschuldig. Diese Gegensätze machen Alice so faszinierend.

 

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Welche Rolle würdest du gerne im nächsten Jahr spielen?

Mich reizen Rollen, die völlig fernab meiner eigenen Werte liegen. Das ist für mich der Zauber des Schauspiels – eintausend Leben in einem einzigen erleben, ohne Konsequenzen fürchten zu müssen.

Ein lang gehegter Traum von mir ist es, in einer Fantasy-Filmreihe mitzuspielen, vielleicht etwas mit übernatürlichen Kräften. Solche Produktionen sind in den USA verbreiteter als in Deutschland.

Neben der Schauspielerei hast du auch einen Master in Immobilienmanagement. Wie beeinflusst diese zusätzliche Ausbildung deine Arbeit als Schauspielerin?

Das ist eine tolle Frage! Bisher hat mich das noch niemand in einem Interview gefragt, dabei finde ich es super spannend, was Schauspieler „außerdem“ gelernt haben.

Die Arbeit in der Immobilienbranche hat mir geholfen, ein professionelles Auftreten und Verhandlungsgeschick zu entwickeln. Das klingt zunächst konträr zum kreativen Schauspiel, aber es hat mir oft geholfen, Rollen mit stark-dominanten Charakteren – wie Staatsanwältinnen oder Unternehmerinnen – authentisch zu spielen.

Außerdem braucht man als Schauspielerin auch die Fähigkeit, sich im öffentlichen Rahmen selbstbewusst zu präsentieren und zu vermarkten. Agenten und Manager unterstützen natürlich, aber sie sind nicht immer dabei.

Du sprichst mehrere Sprachen fließend. Inwiefern hat dir diese Fähigkeit bei internationalen Produktionen geholfen?

Diese Fähigkeit war tatsächlich schon oft hilfreich. Für eine indische Netflix-Produktion wurde ich gecastet, weil ich mir während längerer Aufenthalte in Indien Grundkenntnisse in Hindi angeeignet habe – das ist für eine blonde Europäerin eher ungewöhnlich.

Auch mein Russisch und natürlich mein Englisch und Französisch haben mir schon viele Türen geöffnet. Interessanterweise wird mein Akzent bei internationalen Projekten oft bewusst beibehalten, da er eine zusätzliche Geschichte erzählt.

Du hast Erfahrung in Film, Fernsehen, Theater und Werbung. Welches Medium fordert dich als Schauspielerin am meisten heraus?

Werbung empfinde ich als am wenigsten herausfordernd, da sie meist schnell abgedreht ist und der kreative Rahmen klar definiert ist. Ähnlich geht es mir bei Fernsehdrehs – sie sind vorhersehbarer und geben dadurch Sicherheit.

Zwischen Theater und Film fällt mir eine Entscheidung schwer. Theater bietet intensive, unmittelbare Momente, während Filmdrehs oft von technischen Abläufen bestimmt werden. Beides ist herausfordernd, aber Theater genieße ich derzeit noch mehr, weil ich es als freier empfinde.

Wie beschreibst du deinen Modestil?

Seit ich aus meinen Zwanzigern raus bin, würde ich meinen Stil als elegant und feminin beschreiben. Früher war ich experimentierfreudiger, aber mittlerweile fühle ich mich in klassischen, zeitlosen Outfits am wohlsten.

Wenn ich mehr Zeit hätte, würde ich mich wie Fran Fine aus „Die Nanny“ kleiden – ausgefallen, aber immer attraktiv.

Hast du spezielle Beauty-Rituale?

Neben Klassikern wie ausreichend Schlaf, wenig Alkohol und Zucker lege ich großen Wert auf eine gesunde Hautpflege.

Da ich am Set oft viel Make-up trage, genieße ich es, im Alltag komplett ungeschminkt zu sein. Ein kleines Laster sind Gesichtsmassagen – die liebe ich.

Auf welches Accessoire könntest du nie verzichten?

Perlenohrstecker! Sie passen zu fast jedem Outfit, werten es auf und sind immer eine perfekte Balance zwischen dezent und stilvoll.

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Sierks Media / © Fotos: Antonia Sitak (2), Sina Weihrauch (1), Harald Keller (1)

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Mit der fesselnden Musik von Peter Tschaikowsky, eindrucksvollen Bühnenbildern und Kostümen von Jürgen Rose sowie der musikalischen Leitung von Mikhail Agrest und Wolfgang Heinz bot das Stück einen unvergesslichen Abend im Staatstheater Stuttgart.

Darum geht’s

Auf dem Foto: Mackenzie Brown und Martí Paixà samt Ensemble.

Die Handlung, eine zeitlose Geschichte von Liebe, Verrat und Verzweiflung, entführt das Publikum in eine märchenhafte Welt.

Prinz Siegfried, überwältigt von gesellschaftlichem Druck, flieht in den Wald und trifft auf Odette, eine verwunschene Prinzessin, die von einem bösen Zauberer in einen Schwan verwandelt wurde.

Ihre Rettung hängt von Siegfrieds unerschütterlicher Liebe ab. Doch er fällt auf die Täuschung von Odile, der bösen Doppelgängerin Odettes, herein und bricht seinen Treueschwur – mit tragischen Folgen für beide.

Kritik

Crankos Inszenierung hebt die inneren Konflikte des Prinzen hervor, verleiht ihm menschliche Tiefe und eine spürbare Zerrissenheit, die in der finalen Konfrontation besonders eindrucksvoll zur Geltung kommt.

Die tänzerischen Leistungen des Ensembles waren schlichtweg atemberaubend. Besonders der packende Pas de deux zwischen Siegfried und Odette, voller Emotion und Ausdruckskraft, ließ das Publikum in völliger Stille verharren, gefesselt von der Präzision und Eleganz der Bewegungen.

Das Bühnenbild von Jürgen Rose verlieh der Inszenierung eine fast märchenhafte Atmosphäre, und die Musik des Staatsorchesters Stuttgart unterstrich jede Nuance des Dramas, so dass die Emotionen förmlich greifbar wurden.

Fazit

Auf dem Foto: Martí Paixà und Daiana Ruiz samt Ensemble.

Diese Aufführung von Schwanensee in Stuttgart ist ein Muss für alle Ballettliebhaber und solche, die es noch werden wollen.

Die Inszenierung beweist eindrucksvoll, warum dieses Stück bis heute ein Eckpfeiler des klassischen Repertoires ist – ein bewegendes Meisterwerk, das die Herzen berührt und die Zuschauer in seinen Bann zieht.

Weitere Informationen dazu finden Interessierte online sowie aktuell unter staatstheater-stuttgart.de und stuttgarter-ballett.de.

Sierks Media / © Fotos: Stuttgarter Ballett

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Insbesondere in der kalten Jahreszeit ziehen die Theater- und Opernhäuser ein an Kultur interessiertes Publikum an – und sind auch für viele Urlauber ein attraktiver Anlaufpunkt während einer Städtereise.

Doch auch die Schauplätze selbst sorgen durch ihr prunkvolles Interieur für Staunen. Das Kurzreise-Portal namens kurz-mal-weg.de zeigt uns nun acht der schönsten Kulturstätten der Bundesrepublik.

Markgrafentheater, Erlangen (Bayern)

In der mittelfränkischen Stadt Erlangen steht das denkmalgeschützte Markgrafentheater. Es ist das älteste bespielte Barocktheater in Süddeutschland und eines der drei Spielstätten vom „Theater Erlangen“.

Erbaut zwischen 1715 und 1719 im Auftrag des Markgrafen Georg Wilhelm von Brandenburg-Bayreuth, feierte das Konzerthaus am 10. Januar 1719 mit der Oper „Argenis und Poliarchus“ seine Premiere.

Mitte der 1950er Jahre musste das Theater wegen Baufälligkeit schließen – der Stadtrat stimmte für den Erhalt und dank großangelegter Renovierungen konnte es im Dezember 1959 mit der Mozart-Oper „Die Hochzeit des Figaro“ wieder eröffnen. Der hufeisenförmige Saal bietet heute Platz für bis zu 570 Zuschauerinnen und Zuschauer.

Lediglich die Brüstung im ersten Rang besteht aus hölzernen Säulen, während die weiteren Ränge über ein geschlossenes Geländer verfügen. Die Fürstenloge ist von einem gestuften Baldachin mit vergoldeten Quasten überdacht.

Die gegenüberliegende Bühne ist 11 Meter breit und 12 Meter tief, der angrenzende absenkbare Orchestergraben fasst bis zu 40 Musikerinnen und Musiker.

Staatsoper Stuttgart (Baden-Württemberg)

Die Staatsoper Stuttgart wurde bereits mehrfach als „Opernhaus des Jahres“ ausgezeichnet und zählt zu einem der bedeutendsten europäischen Opernhäusern.

Zudem ist die Kulturstätte Teil des größten Mehrspartenhauses Europas: Unter dem Dach des Württembergischen Staatstheaters befinden sich die Staatsoper Stuttgart, das Schauspiel Stuttgart sowie das Stuttgarter Ballett.

Als Erstaufführung gilt das Singspiel „Der Raub der Proserpina“ aus dem Jahr 1660. Nach einigen Umbaumaßnahmen und einem Brand im Jahr 1902 baute der Münchner Architekt Max Littmann zwischen 1909 bis 1912 das Doppeltheater mit Schauspiel- und Opernhaus am heutigen Standort im Schlossgarten.

1912 feierte das neue Opernhaus mit der Uraufführung von Richard Strauss „Ariadne auf Naxos“ Premiere. Nach dem Zweiten Weltkrieg blieb lediglich das im klassizistischen Stil gehaltene Große Haus für die Oper und das Stuttgarter Ballett erhalten. Insgesamt bietet das Konzerthaus Platz für rund 1.400 Gäste.

Markgräfliches Opernhaus, Bayreuth (Bayern)

Das Markgräfliche Opernhaus in Bayreuth ist aufgrund seines opulenten Interieurs einen Besuch wert und gilt als eines der schönsten Barocktheater weltweit. Erbaut wurde die Kulturstätte zwischen 1744 und 1748 – federführender Architekt war der Italiener Giuseppe Galli Bibiena, der zuvor am Wiener Kaiserhof tätig war.

Den Auftrag erhielt er von der kulturbegeisterten Markgräfin Wilhelmine von Brandenburg-Bayreuth. Der Anlass: Die 1748 stattfindende Hochzeit von Elisabeth Friederike Sophie, ihrer einzigen Tochter, mit dem Herzog Carl Eugen von Württemberg.

Bis heute ist das Logenhaus als selbsttragende Konstruktion, bestehend aus Holz und Leinwand, erhalten. Durch eine umfassende Restaurierung in den Jahren 2013 bis 2018 erstrahlt der Saal wieder im alten Prunk. Seit zehn Jahren gehört das Konzerthaus zum UNECSO-Weltkulturerbe.

Semperoper, Dresden (Sachsen)

Es ist das bekannteste Opernhaus Deutschlands und ist nach seinem Schöpfer Gottfried Semper benannt – die Rede ist natürlich von der Dresdner Semperoper. Neben einer berauschenden (Innen-)Architektur hat sie auch eine bewegende Geschichte.

Zwischen 1838 bis 1841 errichtete der Baumeister Gottfried Semper die Oper im Stil der italienischen Frührenaissance – schon damals galt sie als eines der schönsten europäischen Theater. Nach einem Brand am 21. September 1869, der die Kulturstätte vollständig zerstörte, begann der zweite Aufbau von 1871 bis 1878.

Die feierliche Neueröffnung der Staatsoper wurde am 2. Februar 1878 mit der „Jubel-Ouverture“ von Carl Maria von Weber sowie dem Goethe-Bühnenstück „Iphigenie auf Tauris“ gefeiert.

Weitere große Schäden erlitt das Kulturhaus durch den Luftangriff auf Dresden während des Zweiten Weltkrieges sowie das Elbe-Hochwasser im August 2002. Dennoch trotzt die Semperoper allen Widerständen und zieht bis heute zahlreiche Touristen aus Nah und Fern in die sächsische Landeshauptstadt.

Mecklenburgisches Staatstheater, Schwerin (Mecklenburg-Vorpommern)

Das in Schwerin ansässige Mecklenburgische Staatstheater liegt gegenüber des Schweriner Schlosses und gehört zu den größten Traditionsbühnen Norddeutschlands. Seit über 120 Jahren lädt die Kulturstätte zu Veranstaltungen.

Zudem befindet sich hier das drittälteste Orchester Deutschlands. Im Inneren erwartet das Publikum rote Plüschsessel, Stuck- und Goldverzierungen sowie ein ausladender Kronleuchter.

Das Sechs-Sparten-Haus bietet von ausschweifenden Ballettaufführungen bis zu improvisiertem Schauspiel die volle Bandbreite an kulturellen Events – diese werden zum Teil auch in niederdeutscher Sprache abgehalten.

Das Große Haus hat Platz für bis zu 550 Zuschauerinnen und Zuschauer, während das Konzertfoyer, geeignet für Konzerte oder Lesungen, rund 240 Gäste beherbergen kann. Ein besonderes Highlight sind im Sommer die Schweriner Schlossfestspiele mit Opern- und Musiktheateraufführungen.

Staatstheater Cottbus (Brandenburg)

Das Staatstheater Cottbus ist Brandenburgs einziges staatliches Theater. Am 01. November 1905 wurde der Neubau eines Stadttheaters mit Kosten von bis zu 800.000 Mark beschlossen, wofür ein Architekturwettbewerb ausgerufen wurde.

Bernhard Sehring, der bereits 1896 mit dem Bau „Theater des Westens“ in Berlin über die Grenzen hinweg bekannt war, erhielt den Zuschlag. Das Staatstheater ist im Jugendstil gehalten und eröffnete nach nur 16 Monaten Bauzeit am 01. Oktober 1908 mit dem Lessing-Schauspiel „Minna von Barnhelm“.

Der erste Intendant Max Berg-Ehlert etablierte eine sogenannte „Monatsoper“, da das Haus bis dato kein eigenes Opern-Ensemble hatte. Erst 1912 initiierte der Theaterdirektor Otto Maurenbrecher ein eigenes Orchester und ein festes Opern-Team.

Das Staatstheater ging 1992 in den Landesbesitz über, weshalb es bis heute das einzige staatliche brandenburgische Theaterhaus ist.

Hessisches Staatstheater Wiesbaden (Hessen)

In der hessischen Landeshauptstadt steht das Hessische Staatstheater Wiesbaden, das als Fünf-Sparten-Theater fungiert und über vier Bühnen verfügt. 1827 wurden die bekannten Wiener Architekten Fellner und Helmer, die später ebenfalls für den Bau des Fürther Stadttheaters verantwortlich waren, engagiert.

Das Kulturhaus wurde im neobarocken Stil errichtet und nach nur 22 Monaten Bauzeit am 16. Oktober 1894 im Beisein des Kaisers eröffnet. Auf royale Anweisung wurden 1902 noch ein Foyer an der Ostseite sowie eine Probebühne, ein Malersaal und diverse Werkstätten auf der südlichen Seite ergänzt.

Die Baumaßnahmen übernahm der Wiesbadener Stadtbaumeister Felix Genzmer. Das Deckengemälde stammt ebenfalls aus dem Jahr 1902 und wurde vom Wiesbadener Maler Kaspar Kögler erschaffen. Ein weiteres Highlight ist der sechs Meter lange, knapp fünf Meter breite und rund 900 Kilo schwere Kronleuchter.

Zwischen 1975 und 1978 wurde der Zuschauerraum aufwendig saniert und zum Teil historisch rekonstruiert.

Staatstheater Fürth (Bayern)

Im Zentrum der mittelfränkischen Stadt, zwischen Rathaus und Frauenkirche, befindet sich das Staatstheater Fürth. Von außen im neubarocken Stil und innen im Baustil des Neurokoko gehalten, wurde es von 1901 bis 1902 vom Wiener Architektenbüro Fellner und Helmer konstruiert.

Fertig war das Kulturhaus nach nur rund 14 Monaten Bauzeit. Die Fassaden im Inneren zieren dabei berühmte deutsche Repräsentanten: Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Richard Wagner (für die Musik) sowie Johann Wolfgang von Goethe, Friedrich Schiller und Gotthold Ephraim Lessing (für die Literatur).

Eröffnet wurde das Theater am 17. September 1902 mit der einzigen Beethoven-Oper „Fidelio“. Von 1945 bis 1952 wurde es von den Alliierten als Kino für die stationierten US-Soldaten genutzt, ehe es nach einigen Umbaumaßnahmen am 14. Januar 1973 mit der Komödie „Professor Bernandi“ von Arthur Schnitzler sein Comeback als Staatstheater feierte.

2014 wurde die „Bürgerbühne“ eingerichtet – unter professioneller Anleitung können die Bürgerinnen und Bürger, unabhängig von sozialer Schicht oder Altersgrenze, an Theater-Inszenierungen mitwirken.

Shots Magazin / © Fotos: alphaspirit (1), bulgarin.ua.fm (1), de.depositphotos.com

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„The Casting of The Magic Bullets“ – so der Untertitel des Musicals – beschreibt ein wahrlich „magisches“ Zusammenspiel: Das Libretto, geschrieben von Beat-Generation-Autor William S. Burroughs, in Kombination mit der Musik von Rocklegende Tom Waits und die Bilderwelten des Starregisseurs Robert Wilson setzten bei der Uraufführung 1990 neue Maßstäbe in der Theaterästhetik.

„Die große Qualität und der große Erfolg des Werkes besteht aber vor allem darin, dass diese rauschhaft erzählte und komponierte Geschichte Platz lässt für andere künstlerische Handschriften und deshalb nicht in der Vermarktungsmaschinerie der großen Musicalhäuser gelandet ist, sondern sich nach wie vor auf den Theaterbühnen behauptet“, heißt es beim Theater Regensburg.

Bis Anfang Juni 2018 sind knapp zwanzig Aufführungen geplant. Mehr Informationen finden Interessierte unter theaterregensburg.de.

Fotos: obx-news, Theater Regensburg, Jochen Quast (1), Pixabay, CC0 Public Domain (1) / Quelle: obx-news

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Als Vorlage dient Mark Twains „Tagebuch von Adam und Eva“. Die deutsche Schauspielerin Sarah Alles wurde in den letzten rund 15 Jahren durch verschiedene, viel beachtete Rollen in Fernsehserien bekannt.

Begleitet wird sie bei der szenischen Lesung von den Schauspielern Charles Rettinghaus (54) und Benno Lehmann (31). „Ein Blick ins Paradies – was damals wirklich geschah“ ist sprachgewandt, liebevoll und garantiert erleuchtend inszeniert.

Also ein absolut sehenswerter Ausflug in den Garten Eden… Tickets gibt es unter berlin.de/kunst-und-kultur.

Ein Blick ins Paradies – was damals wirklich geschah
Sarah Alles, Charles Rettinghaus, Benno Lehmann

Samstag, 22. Oktober 2016, 20:00 Uhr
Sonntag, 23. Oktober 2016, 20:00 Uhr

Theater unterm Dach
Danziger Straße 101 / Haus 103
D-10405 Berlin

Fotos: Jamie Capewell (1), Pixabay, CC0 Public Domain (1)

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In wenigen Wochen tritt sie übrigens solo in der Laeiszhalle auf. Jetzt traf ich die sympathische Wahl-Hamburgerin zu einem Interview über ihre Karriere, Hamburg, ihre Likes und was sie bewegt. Hier ist das Gespräch.

Heidi, Du bist als Sängerin und Schauspielerin bekannt. Erzähl uns bitte, wie alles begann.

Ich war drei Jahre alt, als ich meiner Familie gesagt habe, dass ich eine Sängerin werden würde (lacht). Also mehr oder weniger wusste ich das schon mein ganzes Leben. Musical und Theater kam dann später. Ich spielte Sandy in „Grease“, als ich 15 Jahre alt war und das war auch der Zeitpunkt, als ich merkte, dass Musicals fantastisch sind.

Als Kind wuchs ich mit viel Musik von meiner Mutter auf, die sang und spielte Gitarre in einer Band. Und mein Vater hatte schon immer eine große Leidenschaft für Rockmusik und Autos.

Wie war es für Dich am Anfang, im Rampenlicht zu stehen? Wie haben die Menschen auf Dich reagiert?

Vielleicht ist es meine schwedische, bescheidene Seite, die immer denkt, dass es den Menschen egal ist, was ich tue. Aber ich weiß, dass meine Familie und Freunde sehr glücklich und stolz auf mich sind. Und ich hoffe, dass die Leute denken, dass ich es verdiene. Ich bin eine harte Arbeiterin. Und nichts im Leben kommt aus dem Nichts oder umsonst.

Was sind Deine Ziele für die Zukunft?

Ich habe eine „Bucket List“, der ich folge. Und ich habe natürlich noch Träume und Ziele. Und als „Star“ habe ich noch große Ziele. Aber die verrate ich Dir jetzt nicht. Ich denke, es ist wichtig, einige Dinge für sich zu behalten.

Wo kann man Dich demnächst bei Auftritten sehen?

Ich wünschte, dass ich Dir das sagen könnte. Aber ich darf es nicht offiziell verkünden. Was ich äußern kann: Es wird ein fantastischer Job. Etwas, das ich schon immer machen wollte. Es ist eine Traum-Rolle in einem Traum-Muscial in einer Traum-Location.

Am 29. August 2016 habe ich ein Solo-Konzert im „Studio E“ in der Laeiszhalle in Hamburg, Dafür kann man Tickets unter t1p.de/tobetold erwerben. Ich freue mich auf viele Besucher. Das Ganze läuft unter dem Motto „To Be Told – A New Day“ und Pianist Markus Jan Weber ist auch dabei.

Du bist eine Schwedin in Hamburg. Kommst Du mit den Hanseaten klar?

Ich liebe Hamburg, echt. Vor vier Jahren war ich das erste Mal hier. Und es fühlt sich an wie zuhause. Es erinnert mich so sehr an Göteborg, meine Heimatstadt. Ich bin wirklich glücklich, hier zu arbeiten.

Du siehst immer top gestylt aus. Welcher Pflegetyp bist Du?

Es kann sehr lange dauern, bis ich bereit bin (lacht). Ich komme, wenn ich fertig bin und wann ich will. Nein, ganz ehrlich, meistens geht es schnell im Bad. Vielleicht sind es die Vorbereitungen, die ich vor einer Show habe, die mich so schnell machen. Da habe ich ja sehr viel Erfahrung.

Und gibt es spezielle Produkte, die Du benutzt?

Ich liebe „Mac“ als Make-up. Wir verwenden „Mac“ auch im Theater. Ich habe einige Probleme mit empfindlicher Haut und deswegen verwende ich „Dermalogica“ Produkte für die Haut. Auch diese Sachen liebe ich. Für meine Haare benutze ich „Label M Professional Haircare“.

Für meine Haut mag ich auch noch Bio-Öl, was man ganz einfach bei DM kaufen kann. Und für den richtigen Geruch liebe ich absolut die filigranen, sexy Düfte von „Bottega Venetta“.

Welche Label trägst Du gerne?

Meine Lieblingskleidung kommt vom spanischen Label „Uterqüe“. Leider gibt es diese Geschäfte nicht in Schweden und Deutschland. Aber sie haben einen sehr guten Online-Shop. In Hamburg gehe ich gerne zu „& Other Stories“, „Urban Outfitters “ und manchmal zu „Zara“. Schuhe am liebsten von „Vagabond“.

Und was finden wir in Deiner Playlist auf dem iPod?

Ich höre meistens „Spotify“. Die Welt Topliste, Accoustic Covers, Piano Playlists oder meine eigenen Playlists der Songs aus den Musicals.

Gibt es Themen, für die Du Dich engagierst, die Dir am Herzen liegen?

Gleichberechtigung, dafür kämpfe ich. Für gleiche Rechte von Frauen und Männern. Schweden ist bei diesem Thema auf einem sehr guten Weg, obwohl er noch sehr lang ist, bevor alle Ziele erreicht sind.

Hast Du Benzin im Blut?

Nicht sooo viel (lacht). Aber mein Vater liebt Autos, Boote und Motorräder. Das hat mich als Kind schon geprägt. Ich liebe einen Mann, der Autos liebt. An tollen Automobilen mag ich das Design, das kann wunderschön sein. Schwarze Autos sind gut, am besten sportlich und sexy.

Was ist Dein allergrößter Traum?

Wie ich schon sagte, meine Ziele als Star bleiben meine Geheimnisse. Wenn ich sie eines Tages erreicht habe, melde ich mich sofort bei Dir.

Soll die Welt noch etwas über Dich wissen?

Hmm. Glaube an Dich selbst, egal, was die Leute sagen oder denken. Immer den eigenen Weg gehen. Wenn Du etwas willst, musst Du dafür arbeiten. Kein Anderer wird das für Dich machen. Diese Einstellung half mir, heute dort zu sein, wo ich bin. Und das wird auch in der Zukunft so sein.

Heidi Karlsson (27)
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Fotos: Heidi Karlsson, Karim Khawatmi, Patrick Imhof

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Vom 18. Juni bis Ende September 2016 gastiert das Ensemble mit den Schauspielern Achim Wolff, Karsten Speck, Astrid Kohrs, Nastassja Revvo im Schlosspark Theater in Berlin.

Die Regie führt René Heinersdorff. Ab November 2016 geht es dann mit „Honig im Kopf – Das Bühnenstück“ auf Tour durch Deutschland.

Und am 18. Juni 2016 lädt das Schlosspark Theater zur großen Premierenfeier des Theaterstücks ein. 400 handverlesene Gäste und Medienvertreter erleben die exklusive Uraufführung live.

Realisiert wird das Event von „JCW Marketing“ um den Inhaber Jan Christoph Wagner, der bundesweit durch vielbeachtete Projekte und Events bekannt ist

Das Theaterstück basiert auf dem Film von Til Schweiger, der am 25. Dezember 2014 in die Kinos kam und ein großer Erfolg wurde.

Fotos: DerDehmel, Berlin

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